Перво-наперво акцентирую внимание на том, что все, что будет написано далее, имеет смысл, если вы учитесь рисовать и планируете работать в этом направлении. Если рисование - хобби, приятное времяпрепровождение, отдушина без серьезных планов - можно рисовать как угодно и что угодно, лишь бы в удовольствие, так как это и есть цель мероприятия. По поводу использования фотографий для обучения и во время обучения, для работы с последующей продажей - очень было приятно обнаружить, что мои мысли совпадают с мнением коллег.
Рисование с натуры, пленэр
Работа в помещении - как правило, самый комфортный вариант для художника. Есть ряд вопросов, которые придется решить: наличие достаточного места для работы выбранными материалами, освещение, возможность уединения на время работы. Зато в помещении не бывает ветра и дождя и есть возможность поддерживать комфортную температуру. Если вы раз выставили освещение - оно останется неизменным в течение всей работы. Минимум отвлекающих факторов для полного погружения в процесс. Однако, вы можете с натуры в помещении изображать только некрупные предметы или людей. Пейзаж уже отпадает - придется ждать теплого времени года и выходить на пленэр.
Пленэр. Если вы не тертый калач и не просиживали все детство на осенних и летних практиках, рисование с натуры, скорее всего, будет выходом из зоны комфорта, как принято сейчас говорить. Может быть, даже будет казаться, что это практически невозможно: нужно столько всего собрать с собой, это должно быть удобно и не тяжело. Все предусмотреть, и обязательно что-нибудь, да забудешь - то воду, то палитру. Долго ходишь со всеми этими тюками и не знаешь, куда все-таки сесть. Ни один ракурс не кажется годным. Можно проходить полдня и так и не найти место для пленэра. Если это все-таки удается сделать, отвлекать может практически все - заинтересованные люди, которых тянет поговорить или познакомиться, меняющиеся условия - солнце сменяет пасмурная погода или даже дождь, если нет - то все равно освещение существенно изменяется, тени меняют свое расположение по мере того, как день клонится к закату. Некоторые прекрасные мгновения на рассвете и на закате длятся считанные минуты или даже секунды - возможно, вы не успеете даже разложить свои пожитки и удобно устроиться, как природное представление закончится. Звуки, запахи - все как будто специально усиливается. Это может как раздражать с непривычки, так и дать мощный заряд, если вам удастся преодолеть все сложности.
Какой же бонус получает рисовальщик, решивший рисовать с натуры?
Именно вы делаете выбор, что и с какого ракурса изображать. Вы можете обойти вокруг натуры, сменить точку обзора и выбрать именно ту, которая будет наиболее удачна с точки зрения композиции и наиболее полно раскрывает саму суть изображаемого.
Вы выбираете время и природные условия для работы, опять-таки исходя из задумки.
Вы выбираете главное, и можете откинуть второстепенное. Фокус, центр композиции - ваш личный поиск, ваше решение, ваш способ передать через изображаемое свою точку зрения, свои эмоции от натуры.
Все то, что раздражает с непривычки, на самом деле является сутью этого места, этого момента. Присущие именно этому месту во вселенной запахи и звуки, свет и цвет - все это делает момент неповторимым. Перебирая спустя время свои работы, вы отметите, сколько всего сможете вспомнить о сюжете работы, нарисованной с натуры. Как губка впитывая происходящее, отдаем это на изобразительную поверхность, и спустя время, можем забрать обратно, вернуться туда и даже иногда кажется, что услышать снова все те голоса и запахи. Почти машина времени!
Самое ценное - развитие наблюдательности, насмотренность. Находясь в среде, мы можем наблюдать и делать выводы, что является одной из важнейших наших задач, решая которую, вы выбираете самый короткий путь к мастерству. Почему мы видим именно то, что видим? Звучит смешно, но это не последний вопрос, который должен задать себе рисовальщик. Если не первый. Только находясь в окружении, можно понять, почему цвет именно такой, каким вы его видите. Из чего он складывается, как меняется в пространстве? Например, если вы не понимаете, какой цвет у тени - очень легко его вычислить, исходя цвета предмета на свету и его окружения. Почему форма предмета такая, какой ее видит глаз? Не все понятно с одного ракурса - потрогай, обойди и разберись в конструкции. Все это доступно, если натура перед вами. И все это недоступно, если у вас в распоряжении только фотография.
Рисование по своей фотографии Для исполнения серьезных больших картин, конечно же, требуется особая подготовительная работа. Не любой формат можно покорить на пленэре, тщательная проработка тоже требует времени, которое отсутствует в случае пленэра и в случае, если ваша натура недолговечна. Цветы вянут, фрукты портятся, дети и животные не сидят на месте. Требуется способ запечатлеть мгновение.
Думаю, вы знаете, что одним из изобретателей фотографии был “ленивый” художник? Мне кажется, это весьма логично и в этом определенно есть немного иронии. Эту историю следует знать каждому рисовальщику. Небольшой экскурс в прошлое.
Начнем с того, что с появлением камеры-обскуры художники уже начали с помощью нее упрощать и тем самым ускорять свою работу. Еще в 350 г. д.н.э. (!) Аристотель в одной из своих работ отметил, что свет, проникающий в темную комнату через небольшое отверстие в ставне, образует на противоположной стене изображение предметов, находящихся на улице перед окном, а ведь именно это и является принципом работы камеры-обскуры. В своей первоначальной форме камера-обскура представляла собой затемненную комнату с отверстием в стене. Изображения предметов, находящихся вне комнаты, проецировались через отверстие на противоположную стену, и люди, находящиеся в комнате, могли наблюдать эти изображения и переносить их на бумагу. В 1655 году наконец создана компактная камера-обскура. Стало возможным выполнять зарисовки с натуры, передавая безукоризненную перспективу, свойственную фотографии. То есть изображение можно было проецировать прямо на холст/лист и перерисовывать, тем самым не тратя время на построение рисунка. Халтурщики, да?
Талантливый художник-декоратор и энергичный предприниматель Жак Луи Дагер открыл в Париже театр нового типа, свою знаменитую “Диараму”. Новизна техники декораций в нем заключалась в том, что картины декораций были написаны на тонком полупрозрачном материале самим Дагером и поочередно менялись, освещаясь специальными прожекторами. Великолепное качество декораций и удачно подобранный репертуар нового театра обеспечили огромный успех этого предприятия, в том числе и финансовый. Однако самому Дагеру, человеку с творческим началом, было слишком утомительно ежедневно выполнять большой объём стереотипной работы, связанной с постоянным копированием изображений через камеру-обскуру. У него появилась идея о закреплении светового изображения, получаемого в камере-обскуре, т.е. идея фотографии. Начиная с 1826 г. Жак Луи Дагер организует в своем театре тайную лабораторию по разработке своего способа фотографии. Совместно с французом Жозефом Нисефором Ньепсом, который уже годы работал над этой задачей и был разорен, они совершенствуют способ закрепления видимого изображения на материальном носителе. Так зарождалась фотография.
Итак, вернемся к действительности. Благо, что в нашем веке фотоаппарат всегда в кармане. Будем надеяться, что скоро можно будет снимать реальность и возвращаться в нее в 3D, сидя за мольбертом. Ну а пока мы имеем плоские изображения, с ними и приходится работать.
Если вы делаете фотографии сами и с целью использовать их в процессе создания картины/иллюстрации, этот вариант очень сильно отличается от варианта “найти фотографию в интернете”. Вы проходите по крайней мере половину того пути, что и при рисовании с натуры: выбор места и времени, ракурса, освещения. Вы находитесь в среде, вдыхаете, слышите - чувствуете весь тот спектр переживаний, что способно дать это место. В этом случае, фотографии, как правило, будут весьма отличаются от тех, что бы вы сделали, не имея намерения изображать это место. У вас наверняка будет несколько ракурсов, крупно - те предметы или объекты, что вы собираетесь сделать героями своей рисованной истории. Вы проведете некое расследование, изучение натуры с целью подметить самое характерное, запечатлеть важные детали. И в работе над картиной вы будете не копировать фотографию один-в-один, а лишь использовать их для воспроизведения деталей, которые были растеряны памятью по дороге от натуры к рабочему месту. Идеально - сделать на месте один или несколько этюдов, это поможет определить колорит, так как на фотографии цвета могут искажаться, восприниматься иначе, чем на месте глазом. В таком использовании фотографий я вижу только пользу. Напротив, без изучения предметов изображения, особенно если вы рисуете именно это в первый раз и не обладаете фотографической памятью, рисунок/живопись скорее всего будут выглядеть неубедительно.
Рисование по чужой фотографии
Тут я вижу два варианта развития событий. Первый - рисование сюжета с сохранением композиции, можно сказать “срисовывание с фотографии”. И второй - необходимость найти наглядный материал для изучения натуры, которая недоступна в данный момент.
Срисовывание с фотографии
Совершенно понятно, почему тем, кто начинает рисовать, как правило, во взрослом возрасте, кажется таким удобным рисование с фотографии. Как обычно происходит? Вы ищите фотографию или она нашла вас. Вы замираете от восторга: “я хочу это нарисовать!” Это уже успех и победа фотографа.
В части “рисование с натуры” много раз я повторила: “вы решаете”, “вы выбираете” - как о большом плюсе. Но - это совершенно нормально - далеко не каждый начинающий художник может решать и выбирать, и делать это правильно и грамотно. Для этого тоже нужен уже и опыт, и насмотренность, и немалые знания, которые пока что отсутствуют. При поэтапном обучении решение о том, “что рисовать”, берет на себя преподаватель - с высоты опыта он знает, какой дорогой провести учащегося так, чтобы наиболее эффективно освоить ключевые моменты, обучает как выбирать натуру, как режиссировать постановки. Если начинающий рисовальщик без преподавателя, знания получает хаотично из мастер-классов и он-лайн уроков, вполне понятно, почему при выборе сюжета для изображения возникает много сложностей и вопросов. В этом случае, как спасение, приходит вариант рисования с фотографии, которая уже нравится. Большую часть вопросов за художника уже решил фотограф - выбрана композиция, ее центр, художник нашел удачный ракурс и так далее - все, о чем написано в части “рисование с натуры”. Мы не можем слишком изменить то, что видим на фотографии, пересесть на пять метров в сторону, заглянуть за угол - что там, вы не узнаете. Что скрывают ветки дерева, почему тут красный отсвет и откуда он? Неизвестно. Но - самое важное в кадре уже решено, интуиция на удачное композиционное решение и цветовую гармонию есть практически у каждого, даже если нет знаний в этой области, и художник с облегчением вздыхает и принимает решение только о том, каким материалом и в какой технике воплотить уже, по сути, готовую фотокартину. Получается, вы работаете не самостоятельно, а в соавторстве с фотографом. Да, с точки зрения закона, это нельзя считать плагиатом и воровством (изменено более 25% оригинала - все, это уже самостоятельное произведение), но если поразмыслить и просчитать, какой объем работы сделал за художника фотограф, станет очевидным, что у вашей работы два автора. Именно поэтому я не считаю возможным использовать чужие фотографии в таком ключе и практически никогда этого не делаю. А при случае крайней надобности ОБЯЗАТЕЛЬНО спрашиваю разрешения на использование и указываю автора фотографии при публикации готовой работы. Мне кажется это правилом хорошего тона, а также поводом двух творческих людей познакомиться друг с другом. В качестве иллюстрации: в последнее время я рисовала маяки Кронштадта, чтобы подготовиться к презентации акварели. Выбирала сюжет, обозначенный мне организаторами, как “морская тема”. Сейчас нет возможности объехать “морские” петербургские места и сделать свои фотографии - не сезон, кому охота рисовать серость на занятии, поэтому я нашла готовые фотографии и решила их использовать в порядке исключения. Именно петербургские места выбраны не случайно - не все участники бывали на лазурных морях, а с нашим родным колоритом знаком всякий петербуржец - по крайней мере, это не придется додумывать. Я написала автору и попросила разрешения использовать фото, мы познакомились в переписке, отметили общие интересы и теперь я жду открытия навигации, чтобы объехать Кронштадт по воде вместе с Олегом Зыряновым (pofortam.ru)
В обязательном порядке указываю автора фотографий при каждой публикации рисунков, сделанных по ним. Можно сказать, что Олег в этих картинах и зарисовках мой соавтор, как можно не написать об этом? Я бы много потеряла, если бы просто взяла фотографию без общения с автором. Еще добавлю, что с трудом представляю, как можно рассказывать о том, чего сам не видел - словами ли, изображением ли. Неминуемо соврешь и даже не будешь знать об этом. Как вы понимаете, эту точку зрения я никому не навязываю совершенно, просто высказываю свое мнение.
Изучение недоступной натуры
Например, мне поступает заказ на роспись шёлка с изображением мексиканских тушканов. Я знаю, как выглядит мексиканский тушкан? Понятия не имею, если не рисовала его перед этим ни разу в жизни. Могу ли я своими руками отловить тушкана и своими глазами увидеть все его особенности, делающие его не пустынным тушканом, не длинноухим тушканом, а именно мексиканским? Конечно, могу отправиться на другой конец света, но это уже не входит в бюджет на этот заказ. Могу сходить в зоопарк, это уже более реально и, если он там есть - сделать наброски с натуры. А если его там нет? Тогда “окей, гугл” и вот передо мной мой тушкан в разных ракурсах. Я изучаю его по чужим фотографиям, выбираю те, которые раскрывают его наиболее характерным образом. Набираю пачку, делаю с них эскизы. Это работа - поиск. Когда натура недоступна для рассматривания и ощупывания, единственный вариант. И высший пилотаж, после сбора разрозненных картинок, в разных локациях, с разным освещением, собрать это все воедино, додумать место, время, освещение, заселить его предметами/объектами и заставить их там органично существовать. Это настоящая режиссерская работа, требующая знаний и опыта. Если их не хватит - зритель всегда почувствует подвох. Возможно неосознанно, но у каждого в течение жизни формируется насмотренность, и зритель не всегда сможет сказать, что не так. Но не так! Нужно обладать большим мастерством, чтобы создавать произведения о том, чего не было.
Использовать фотографию в работе можно тоже по-разному, но всегда лучше, когда осознанно, понимая, какую цель вы преследуете, что получаете и чего лишаетесь, выбирая тот или иной вариант.
